Psòmega è per l’inventiva transdiscipli­nare: perché è giusto attraversare le disci­pline cogliendo quello che c’è di meglio in ognuna di esse. E bisogna approfittare della loro vicinanza per attivare il “pensie­ro spostato”. La loro vicinanza anzi, il loro crossing è fruttuoso e vivo.

Questo volume ora raccoglie – e rein­venta — gli interventi presentati nell’aprile 2005 nel convegno La forma dell’inventi­va: Psòmega vent’anni dopo, svolto in colla­borazione con la Provincia di Milano -una kermesse di tre giorni nel segno delle invenzioni: in poesia, musica, scienza, se­miotica, videosaggi, filosofia, ecologia e democrazia.

Ma dell’arte, qui, non interessano tanto le opere, i testi, quanto la sua possibile prassi: la prassi dialogica. Le arti di cui in queste pagine si discute sono infatti le strade del saper fare: arte come poetica della vita dialo­gica e come tecnica per la costruzione delle armonie; arte come ecologia, verrebbe da dire; e arte come via del sentire – se stessi e gli altri e il mondo-ambiente – e della sensuosità della conoscenza.

Nei dialoghi iniziali sono in primo piano le funzioni più sensoriali, materiali e affettive della soggettività e del sentimento. Funzioni che non scompaiono mai, a dire il vero, e che permangono in ogni contatto ed empatia, anche quando lasciano il campo a relazioni di altro tipo: al rapporto con lo spazio, con gli oggetti, con i media. Di questo si parla nella parte centrale del libro.

Nei dialoghi finali la discussione sulle arti porta invece a riflettere sulle rappresentazio­ni della vita sociale: la polis e l’ambiente, gli orizzonti indefiniti delle città, le responsabi­lità del progetto e le visioni del futuro.

Voi mi chiedete come è stato recepito questo progetto, questo disegno di edificio dalle grandi curve, a forma di es­se, questa pergamena che si srotola sul suolo.

Tutto sommato, credo sia stata un’intuizione felice pro­prio per le soluzioni pratiche che implica. Al di là dei vezzi di carattere estetico, questo guizzo della matita sulla carta che disegna una forma morbida e flessuosa, una forma più accattivante e poetica rispetto agli angoli retti, all’ortogona­lità delle facciate, una forma che accompagna invece di li­mitare… questo meccanismo, queste rotondità che si asso­ciano in gioco di calibratura, che disegna la facciata e di conseguenza gli interni e tutti gli elementi della composi­zione, credo che questo abbia finito col dimostrare che il di­stacco rispetto alla forma ortogonale è davvero vincente. Perché è riuscita ad associare estetica e funzionalità. Ma questo guizzo nasce anche dalla volontà di non avere una facciata dominante e una di servizio. Attraverso il ricorso al­la forma sinusoidale ho voluto evitare di avere un retro, e aumentare invece il gioco della trasparenza, che è uno dei sogni dell’architettura moderna.

A completare la grande esse ho aggiunto il gioco delle gradonature verso le estremità. Anche questo è importante per instaurare un dialogo con il tessuto urbano circostante. In questo modo l’edificio sembra quasi volersi abbassare, farsi meno imponente e prepotente. È questa l’ambizione del progetto: i vetri che dal controsoffitto arrivano fino a terra, la trasparenza totale che cerca di portare l’esterno – la luce, il sole e il paesaggio — verso l’interno. Viceversa, ho vo­luto portare anche l’interno all’esterno, in modo osmotico, attraverso il verde.

Questo edificio è come una serie di stantuffi che vengo­no dal sottosuolo e via via si innalzano, come per un mecca­nismo pneumatico, fino a raggiungere la loro giusta altezza. La voglia di portare il verde dentro l’edificio sta tutta in questa emersione, in questo immaginario pistone che si ele­va. Ecco il perché del giardino all’interno, dove la presenza del verde è ancora più evidente, in termini di qualità ma an­che di suggestione e della voglia di soddisfare il bisogno di avere la natura accanto a sé».

Giancarlo Marzorati

«Mi sembra di dirigere stando dentro la pancia di un vio­loncello»: questa espressione, usata dal Maestro Riccardo Chailly, è rimasta a suggello di un progetto in cui l’acustica, firmata da Enrico Moretti, ha raggiunto livelli di eccellen­za. In effetti, il mondo fisico creato dentro la sala dell’Auditorium di Milano è un universo isolato e a sé stante, protet­to dal rumore della città, una serra che genera armonie. Il passaggio dal fuori al dentro può divenire una sorta di in­gresso in un corpo sensoriale avvolgente. Questa esperienza è il “senso globale” che scaturisce dalla coralità della coope­razione progettuale: dal disegno degli spazi, dalla loro mor­fologia e adattabilità a diverse forme di spettacolo, dall’in­stallazione dei diversi impianti tecnologici.

Il libro racconta l’esperienza di questa trasformazione — voluta da Agostino Liuni e da Luigi Corbani – attraverso le immagini e per diretto intervento dei protagonisti. Le immagini dicono tanto del travaglio del cantiere, impianta­to in condizioni “normalmente” impossibili, quanto dello splendore del risultato; mostrano il particolare e la visione di insieme. I diversi contributi testimoniano la “comples­sità” dell’impresa progettuale, condizionata dall’impossibi­lità di un piano di lavoro a priori. Il progetto è invece stato pensato, modificato, interpretato lungo il cammino, in divenire, come gioco d’intesa fra i diversi attori. L’impresa che qui si presenta è allora, implicitamente, l’e­sposizione di una metodologia progettuale corale, una metodologia difficile perché direttamente “dedicata” all’o­pera specifica e unica, e che richiede al progettista compe­tenze nuove. Ma lo sforzo inventivo e di regia in questi casi risulta doppiamente produttivo: oltre a realizzare l’opera che era stata richiesta e desiderata, si contribuisce al recupero culturale degli spazi urbani esistenti, rinunciando finalmente alla logica della speculazione a breve termine.